Hiperealismo~

Realismo~

¿Que es? :Paisaje

¿En donde?: Patio - Escuela Enrique Carbó

Año: 2017

 ¿Que es? : Hoja

¿En donde?: Reja - Escuela Enrique Carbo

Año: 2017

 ¿Que es? :cola de zorro

¿En donde?: Patio - Escuela Enrique Carbo

Año: 2017

Hiperrealismo~

¿Qué es el hiperrealismo?

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura y escultura que nace en Estados Unidos a finales de los años 1960 tras el pop art y luego se extiende por toda Europa; los hiperrealistas rechazan cualquier interpretación de la realidad de la que proponen una reproducción mecánica. Para ser claros el hiperrealismo es una fiel representación de la realidad. Esta tendencia tiene sus raíces en la técnica y la cultura contemporáneas, incluso se podría relacionar con el realismo de la tradición americana del siglo XIX y el precisionismo de los años 1920. El punto de partida de los hiperrealistas es casi siempre, en el caso de la pintura, un original fotográfico muy ampliado como los que utiliza Chuck Close, Richard Estes, Ralph Goings. Mientras que en la escultura consiste en diversas capas moldeadas sobre personas vivas (Duane Hanson, John De Andrea).

Artístas importantes

Pintura

Alyssa Monks (Ridgewood, Nueva Jersey 1977) La fascinación de esta pintora por representar el agua cautivan al espectador desde el primer instante.

Gina Heyer (Sudáfrica, 1983) artista hiperrealista sudafricana especialista en la representación de espacios vacíos como aulas, institutos, colegios, hospitales…

Doug Bloodworth (Base naval EEUU en Filipinas, 1957) cómics, pasatiempos, chucherías, chocolates, bollería, refrescos… las pinturas de lo cotidiano, obras que ponen de manifiesto el ayer y hoy de todos estos productos símbolo de la adolescencia de madurez de muchas personas.

Enrique Sobisch (San Rafael, Argentina, 1929 – Madrid 1989). Fue pintor y dibujante, nacido en Argentina y fallecido en España. Pasó, a lo largo de su vida, por distintos movimientos artísticos como el arte abstracto, el cubismo, el tachismo o el fauvismo antes de llegar al hiperrealismo.

Escultura

Patricia Piccinini

Originaria de Australia, esta artista a través de su obra aborda la línea entre lo que se considera artificial y natural. Sus esculturas se distinguen por ser criaturas de carne y hueso con pelos y arrugas y tienen formaciones diferentes en su cuerpo, es decir, exalta las propiedades de un cuerpo humano junto con las de uno animal,  al punto de llevarlas a la mutación.

El ideal de perfección es constantemente explorado en el trabajo de Patricia, por lo que sus esculturas pueden despertar varias reacciones, desde el desagrado hasta le encantamiento.

Sam Jinks

De ser ilustrador de libros,  Sam se convirtió en escultor de  animales y muñecos. El detalle impreso en cada una de sus obras, desde el cabello hasta los pliegues del cuerpo que se hacen con algún movimiento, se convirtieron en características de la tendencia de hiperrealismo.

Para la creación de cada una de sus esculturas, Sam se inspira en la apariencia de personas que conoce para después combinar sus aspectos y crear una nueva imagen de persona. Los recuerdos son la herramienta principal en el proceso de este artista, sin embargo, en ocasiones gusta de explorar y combinar también rasgos animales con rasgos de personas para originar esculturas de tono surrealista.

Jamie Salmon 

Las estatuas tienen cabello humano real. Son representaciones de humanos en una escala enorme, recordándonos que cada uno de nosotros enfrenta sus propios obstáculos.

Hiperrealismo: Ron Mueck.

Biografía

Ron Mueck nació en Melbourne, Australia, en 1958. Hijo de jugueteros, desde pequeño, entre títeres y disfraces, convivió con técnicas asociadas a dar vida objetos inertes. Sin ninguna clase de formación artística formal, desde niño dedica su tiempo al modelado de figuras, vocación que luego desarrolla dentro la industria del cine, la televisión y la publicidad, como realizador de efectos especiales y creador de personajes.

Trabajó en programas de televisión durante años antes de entrar en efectos especiales para cine, como es sabido trabajó en los personajes de Laberinto (1986), un film de culto épico-fantástico protagonizado por David Bowie.

A partir del año 1996, colaborando con su suegra Paula Rego produciendo  pequeñas figuras como parte de una escena que ella estaba mostrando en la Galería Hayward, comienza a abandonar progresivamente la producción de maquetas y modelos para cine y televisión.  La transición de artesano a la de artista se completa cuando es descubierto por Charles Saatchi, quien comienza a coleccionar sus obras y lo consagra como valor en alza. Saatchi elige Dead Dad , una escultura hiperrealista de pequeña escala del padre de Mueck muerto y desnudo, en la exhibición Sensation en el Royal Academy en 1997. 

Luego, en 2001, Mueck obtiene gran aceptación internacional y se destaca desde ese momento como uno de los artistas más originales del arte contemporáneo con Boy, un enorme niño agazapado de cinco metros de altura que se exhibió en el Milenium Dome y en la 49 ª Bienal de Venecia.

Ron Mueck no brinda entrevistas, incluso en el período previo a una nueva exhibición.

Hoy vive y trabaja en Londres.

Elementos configurativos del lenguaje visual: La textura.

¿Qué es la textura?

Se denomina así no sólo a la apariencia externa de la estructura de los materiales, sino al tratamiento que puede darse a una superficie a través de los materiales.

La textura es expresiva, significativa y trasmite de por sí reacciones variables en el espectador, las que son utilizadas por los artistas, que llevan la materia a un nivel superior del que ella tiene, para aumentar el grado de contenido a transmitir en su obra.

La textura es la apariencia de una superficie. Como elemento plástico puede enriquecer la expresividad de un plano o ser el elemento configurador de una composición.

                                          

¿Cómo puede ser?

Puede ser táctil, cuando presenta diferencias que responden al tacto, y a la visión, puede ser: rugosa, áspera, suave, etc.

Textura táctil

Se comprueba así que estos tienen relieve y que pueden ser suaves o rugosos. Cada materia tiene una textura diferente.La textura táctil es aquella que se percibe mediante el tacto y la visión, al tocar y observar la superficie de los objetos.

Textura visual

Existen diversos procedimientos para obtener texturas visuales a partir de materiales de pintura y dibujo: raspado, transparencia, estarcido, estampación, etc.La textura visual es la representación por medios gráficos, como pintura, dibujo o fotografía, de las texturas táctiles. Por ello, las percibimos únicamente de manera visual y se llaman también texturas gráficas.

Otros tipos

Además pueden ser encontradas otros tipos como: naturales y artificiales.

Las texturas naturales pertenecen a elementos de la naturaleza, como la piel del elefante o la superficie de un pétalo de rosa.

Las texturas artificiales son las que estructuran las superficies del material con que están fabricados los objetos, como la de la pared o un papel de regalo.

Joao Machado

Es un artista multidisciplinar Brasileño que entre otras muchas cosas realiza unos collagues preciosos con mapas(¡ojo al buscarlo en la red!, se llama igual que un diseñador portugués muy reconocido, pero es otra persona) . Hoy que parece que el navegador GPS es lo más, este artista encuentra en los colores y texturas de los mapas inspiración y materia para realizar arte.

Couple - 2006

Melancholia - 2008

Elementos configurativos del lenguaje visual: El color.

¿Qué es el color?

 

El color es una sensación que se produce en el cerebro como reacción a la incidencia de los rayos de luz en los ojos.

El estímulo físico proviene de cuerpos luminosos que emiten luz y cuerpos iluminados que reflejan parte de la luz que reciben, pero es el cerebro el que produce la percepción mental del color.

Color luz: Qué es, características y ejemplos

El color luz es inmaterial y emitido por focos de luz con una determinada longitud de onda. No se debe confundir con el concepto de color pigmento. Ejemplos característicos de colores luz son los colores de las pantallas de televisión u ordenador.

Cuáles son los colores luz primarios

Los colores luz primarios son el rojo, el verde y el azul oscuro (también conocido como sistema RGB).

Círculo Cromático RGB.

Síntesis aditiva de colores luz

La mezcla de colores luz se llama síntesis aditiva. De la suma de colores luz se obtienen colores secundarios más luminosos que los colores primarios y de la ausencia total de estos tres colores el negro.

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¿Cómo se relaciona con Joan Miró?

Miró buscó inspiración en la fantasía, lo onírico y lo irracional para crear obras. Se podría decir que son una traducción visual de la poesía surrealista. La simplificación de formas convierte a sus personajes y objetos en símbolos.

En sus composiciones el fondo es poco relevante (planos y neutros, en su mayoría predomina el negro, azul, rojo y amarillo) y toda su dedicación se vuelca a figuras (siluetas de amebas amorfas junto a líneas muy acentuadas, puntos, estrellas, ojos, etc.) que tienen algo de humorístico y fantástico, mezclando lo orgánico con lo geométrico para representar la realidad que Miró veía totalmente secreta.

Este estilo particular del surrealismo lo trasmitió a todas las expresiones artísticas que experimentó: grabados, litografías, acuarelas, pasteles, collages, pintura sobre cobre, escultura, escenografías teatrales y tapices.

Breve reseña del artista: Joan Miró.

(Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, España, 1983) Pintor, escultor, grabador y ceramista español. Estudió comercio y trabajó durante dos años como dependiente en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse durante un largo periodo en una casa familiar en el pequeño pueblo de Mont-roig del Camp.

De regreso a Barcelona, ingresó en la Academia de Arte dirigida por Francisco Galí, en la que conoció las últimas tendencias artísticas europeas. Hasta 1919, su pintura estuvo dominada por un expresionismo formal con influencias fauvistas y cubistas, centrada en los paisajes, retratos y desnudos.

Ese mismo año viajó a París y conoció a Picasso, Max Jacob y algunos miembros de la corriente dadaísta, como Tristan Tzara. Alternó nuevas estancias en la capital francesa con veranos en Mont-roig y su pintura empezó a evolucionar hacia una mayor definición de la forma, ahora cincelada por una fuerte luz que elimina los contrastes. 

                                                         El carnaval del arlequín (1925)

En 1928, el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus telas, lo que supuso un primer reconocimiento internacional de su obra; un año después, contrajo matrimonio con Pilar Juncosa. 

La guerra civil española no hizo sino acentuar esta dicotomía entre desgarro violento (Cabeza de mujer) y evasión ensoñadora (Constelaciones), que poco a poco se fue resolviendo en favor de una renovada serenidad, animada por un retorno a la ingenuidad de la simbología mironiana tradicional (el pájaro, las estrellas, la figura femenina) que parece reflejar a su vez el retorno a una visión ingenua, feliz e impetuosa del mundo. No resultaron ajenos a esta especie de renovación espiritual sus ocasionales retiros a la isla de Mallorca, donde en 1956 construyó un estudio, en la localidad de Son Abrines.

Entretanto, Miró amplió el horizonte de su obra con los grabados de la serie Barcelona (1944) y, un año después, con sus primeros trabajos en cerámica, realizados en colaboración con Josep Llorens Artigas. 

Obra: El Jardín.  

"El jardín" 1928

Elementos configurativos del lenguaje visual: La línea.

La línea 
Se trata, para la geometría, de una seguidilla de puntos que se extiende indefinidamente y de manera continua en una única dimensión. Una línea también es una raya que aparece en cualquier objeto o cuerpo. Se conoce como línea, por otra parte, al aspecto físico, la figura, la fisonomía o la forma, tanto de un ser humano como de un objeto.


Cualidades de la línea
Forma: Puede representar una expresión más sencilla y pura, que a la vez puede ser dinámica y variada.

Grosor: La intensidad del trazo resultante suele ir acompañada de un grosor proporcional: a más presión del gesto gráfico sobre el soporte, más intensa será la línea y más gruesa.




Intensidad:  Depende de la mayor o menor presión que apliquemos sobre la superficie con la herramienta de dibujo. 

Uniformidad: son las direcciones que conforman la línea.

Significado, Significante y Signo~

 Cuando realizamos el análisis de una obra, generalmente está representada en una imagen (visual digital o física) podemos tener en cuenta, lo que representa para nosotros esa imagen, es decir, lo que visualizamos mentalmente al verla y ya sabemos qué es se lo denomina significante; y lo que todos reconocemos por el nombre es el significado. Por ejemplo: la palabra Mariposa, su significado es la imagen de una mariposa y el significante sería la manera en que uno lo visualiza, en mi caso, una mariposa de color amarilla posando arriba de una flor.

 Estos dos conceptos dan lugar a uno nuevo: el signo.  Este representa una realidad determinada para alguien que la interpreta. Dos personas pueden interpretar cosas distintas de una misma obra, porque tienen otra manera de pensar, de ver las cosas. El signo tiene una arbitrariedad esto quiere decir, que la relación entre significado y significante es convencional, cada lengua tendrá una palabra para un concepto. 

Añadir leyenda

Breve biografía de Vasíli Kandinsky

Vasíli Kandinsky (Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso (nacionalizado alemán y posteriormente francés), destacado pionero y teórico del arte abstracto. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.

Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del post-impresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.

"In Blue" (1925)  Kandinsky

Entre 1910 y 1914, Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores; en ellos todavía se percibe un poco la presencia de la realidad.

En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual en el arte (1910) y en el Almanaque de Der Blaue Reiter.

Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú; allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky, y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.

La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También escribió manifiestos para la Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano.

La persistencia de la memoria

Análisis de obra

• Descripción de la imagen:
  Relojes derretidos en un paisaje desértico. 
   
• Identificación de la obra:
  - Qué tipo de obra es: pictórica.
  -  La persistencia de la memoria del pintor Dalí.
  - Esta obra fue realizada en el año 1931 y se encuentra en el Museoum of Modern Art, New York.
   
• Análisis temático de la obra:
  - Tema: Surrealista.
  - Función: transmitir un sentimiento del "tiempo desvaneciéndose"  
  - Simbología: representan la omnipresencia del tiempo y una imagen metafísica de este devorándose a sí mismo y a todo lo demás.
   
• Análisis formal de la obra:
  - Descripción de su forma: rectángulo de 24x33 cm.
  - Descripción y función de sus elementos: Dalí usa elementos dinámicos como las líneas diagonales( mesa y cabeza) y curvas(relojes) . Hay perspectiva pero el espacio no es natural, no es real.
  - Descripción y función de su organización: El paisaje es simple; aparece el mar al fondo y una pequeña formación rocosa a la derecha de forma insólita. En primer plano a la izquierda, se observa un bloque probablemente de cartón tejido a mano, que hace las funciones de una mesa, sobre el que se disponen dos relojes y un árbolhola de la obra aparece una extraña figura que simula una cabeza blanda, cuyo cuello se diluye en la oscuridad. Llama la atención la enorme nariz, la especie de lengua que sale de ella y el ojo cerrado con largas pestañas. La figura parece dormir sobre la arena. El artista ha colocado sobre esta figura un cuarto reloj, igualmente blando y que también parece derretirse o escurrirse. Los elementos anteriormente descritos se ambientan en lo que parece una playa desierta, con el mar y una cala rodeada de acantilados al fondo. El cielo y el mar se confunden.
• - Descripción de sus materiales y sus cualidades: El cuadro esta hecho con óleo sobre lienzo presenta una gran combinación de colores, una gran equilibrio y contraste entre ellos. Se realizo en un corto periodo de tiempo. El cuadro esta lleno de simbolismos y de cosas irreales propias de el surrealismo.
  - Descripción de la técnica o sistema empleado: La técnica de Dalí es precisa. El dibujo es académico, de líneas puras. Dalí pinta con fuerza y contrasta colores brillantes con colores sombres para crear una atmosfera como un sueño. La luz desempeña un poderoso papel y contribuye a configurar una atmósfera onírica y delirante.
  El cuadro parece quedar dividido en una parte de enorme luminosidad –al fondo y a la izquierda– y otra de sombra –primer plano a la derecha–. Respecto al esquema compositivo, predomina la horizontalidad, solo interrumpida por la verticalidad que marca el tronco del árbol y por las líneas curvas de los relojes y de la figura central, que parecen haber sido introducidas para proporcionar un lento movimiento a la quietud de esta playa.
  - Estado de conservación: Se conserva en el MoMA (Museo de Arte Moderno) de Nueva York, donde llegó en 1934.
   
• Análisis estilístico de la obra:
  - A qué estilo pertenece (país, escuela, periodo):  El surrealismo surgió en Francia a partir del Dadaísmo en la década de los años de 1920.
  - Qué rasgos característicos identifican el estilo: 
• * Formas abstractas o figurativas simbólicas  que intentan plasmar las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.
  * Animación de lo inanimado
  * Aislamiento de fragmentos anatómicos
  * Elementos incongruentes
  * Metamorfosis
  * Máquinas fantásticas
  * Evocación del caos
  * Representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías
  * Realidades oníricas
• * Relaciones entre desnudos y maquinaria
• * Perspectivas vacías
• * Universos figurativos propios
• - Quién es el autor: El movimiento surrealista se inició de manera oficial en París en 1924 con la publicación del Primer Manifiesto, escrito por André Breton.
  - Qué rasgos característicos identifican al autor: André Breton (Tinchebray, 19 de febrero de 1896 - París, 28 de septiembre de 1966) fue un escritor, poeta, ensayista y teórico del surrealismo, reconocido como el fundador y principal exponente de este movimiento artístico. 
  - Aportación de la obra y el artista al arte de su época: Él dijo: «Desde ellos soy históricamente aquel que ha sabido resolver la ecuación espacio tiempo, pero todo mi arte traduce la calidad de la angustia más moderna, en cuanto expresión de un delirio que rebasa todos los dinamismos de lo real. El tiempo no se puede concebir sino el espacio.»
  
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   Contextualización de la obra:
• - Circunstancias en las que fue realizada: Al tiempo que Dalí entra en contacto pleno con el movimiento surrealista, rompe relaciones definitivamente con la familia, debido a sus tendencias artísticas consideradas inmorales, y a una injuria lanzada contra su difunta madre en un cuadro, que su padre jamás podría perdonar. Es en este periodo, entre 1929 y 1932, cuando Dalí compra la casa de Portlligat en la que viviría con su futura esposa, Gala, y en la que presumiblemente habría de pintar La persistencia de la memoria, a un costado del mar mediterráneo y únicamente avecindado entre cuatro barracas de pescadores. Dalí mismo solía afirmar que la obra de los “relojes blandos” fue inspirada por los sitios de la bahía de Portlligat, durante 1931.
  - Rasgos que relacionan la obra con su contexto histórico (artístico, político, religioso, social, filosófico…).
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La semiología del arte~

En la década de los sesenta y los setenta el arte es considerado lenguaje y comunicación. Para esto se acudió a los términos de semiología y semiótica.

Semiología: ciencia que estudia la vida de los signos de la lingüística.
Semiótica: es la estética que se apoya en el estudio de los signos para llegar a una precisión o explicación de el arte.

La semiótica como teoría moderna de los signos, tienen un doble origen en las obras de F. de Saussure y de Ch. S. Peirce.
El curso de lingüística general (1916) de Saussure en el que germina la semiótica al plantear el lenguaje como un sistema de signos arbitrareos substituibles de ser estudiados de un modo objetivo y científico. Aquí se plantea dos consideraciones de suma importancia, la primera es la es el Extrucralismo, que establece que el valor de cada palabra se encuentra en la relación con otras palabras que conforman su contexto. La segunda lleva a que la palabra no es un signo simple sino que se constituye en las dimensiones de su forma que siempre es convencional y percibida por los sentidos (significantes) y aquello a lo que se refiere o designa significado.

El lenguaje visual se divide en tres partes.

Se divide en: 

*informativa (señales de precaución –señales que nos indica un lugar o un objeto). 

                                               

                                                  

*expresiva (sentimientos o emociones).

                                

*estética (belleza: de todos tipos). 

                              

¿Qué es el lenguaje visual?

El lenguaje visual es un sistema  de comunicación (imágenes,  expresión y comprensión) que por medio de imágenes transmiten un mensaje.